Premio Letterario Zeno - VII Edizione

Il Negromante è un romanzo particolare, innanzitutto per la varietà di registri presenti, A tratti drammatico, a tratti fantastico, possiede i toni della commedia e quelli del giallo. Ma a colpire sono soprattutto i personaggi che si muovono sulla scena: fragili, delusi, sconclusionati. Ci si affeziona alla loro umanità pagina dopo pagina, e ci si commuove anche, in questo thriller dai toni farseschi, lontano dai cliché di genere. (EMIDIO CLEMENTI)

Un libro che si fa notare per la grandissima potenza dei dialoghi, che riescono ad attraversare spesso il mondo dei vivi e quello dei morti. Un'intro di impatto immediato crea da subito i presupposti per un ingresso convinto in una dimensione quasi dello spirito. Esoterico. (DAVIDE TOFFOLI)

Ho sempre ritenuto deboli gli incipit che mettono subito la palla al centro: subito il protagonista, subito il tema, subito l’inizio della storia principale. Ma qui, in un attimo, l’autore sveglia la potenza immaginifica di chi legge. Descrizioni, personaggi, ambienti, atmosfere sapientemente sdrappeggiate: niente di superfluo. Ma il negromante è un ciarlatano o no? La domanda rimarrà sospesa in una atmosfera in cui ogni personaggio è connotato da un alone di mistero che, a ben vedere, altro non è se non la parte oscura, indicibile, della propria vita. Un tizio che sembrava importante muore subito, ma intorno a lui continua a muoversi la ricca trama. La comparsa di una libreria mi infastidisce: troppo scontato che libri, librerie e riflessioni da scrittore compaiano sempre nei romanzi! Poi la libreria mi smentisce e offre il luogo in cui opera un’altra persona misteriosa. Ci sono riflessioni condite da sprazzi di grande stile, che arrivano e colpiscono all’improvviso, come deve essere. Insicurezza: “L’inconscio degli insicuri è un sovrano intrattabile e severo.” Un cimitero: “Tutto intorno si sviluppava un regno fatto di nomi, date e facce cristallizzate...” Il morto rinasce, come previsto, per via di una chiavetta usb che contiene strani filmati. Un espediente narrativo molto ben preparato. Poi la trama si infittisce, il quadro si complica, sorretto dal tema sordo del grande male di vivere, diverso per ognuno di noi, ma che tutti noi unisce, anche i più malvagi: “In quelle iridi chiare, il mago riconobbe un dolore che andava molto oltre la stupida discussione appena avuta. Dietro la muraglia di prepotenza e aggressività sollevata dal giovane si poteva intravedere un animo triste, ben nascosto, forte ma mutilato.” Non puoi controllare la tua parte oscura. Lei ti può portare sul ciglio dal baratro, e quando sei lì ti puoi salvare per un tenue scrupolo. O ti puoi dannare. Per sempre. Per caso. E senza colpa. “La vera durezza, ormai lo sapeva, apparteneva alla vita, non agli uomini” (ROBERTO SCARDOVI)

Il negromante si potrebbe definire un “noir esoterico”, sennonché risulterebbe limitativo. In questo scorrevolissimo romanzo si affrontano temi forti – dolore e sofferenza – e argomenti di confine tra il prima e il dopo, la vita e il poi. Fantasmi vagano tra le pagine. Personaggi che paiono e non sono, perché ciascuno non è quel che sembra. Personaggi che si portano incollate addosso colpe irrisolte, in una instabilità continua e imperterrita, in un vivere menzogne funzionali al non vedere – e affrontare – la realtà. Intercalano il raccontare – una prosa semplice, quasi dimessa, precisa scelta stilistica che permette alle singole storie di intrecciarsi, alimentarsi – le scene che si svolgono in una libreria e che mai si concludono con l’acquisto di un libro: una sorta di confessionale muto, di classificatore di umanità, di gabinetto psicologico. La grande capacità dell’autore di amalgamare i vissuti dei vari personaggi, il meccanismo della trama – accattivante e ben strutturata - rende la lettura piacevole e tutto confluisce nel finale, che a sua volta potrebbe rappresentare l’inizio di un altro racconto. E si resta, dopo aver viaggiato con (apparente) leggerezza, con domande senza risposte perché, in fondo, non vi sono risposte, ma solo dubbi e speranze. (PAOLO CASADIO)

Un libro che si fa notare per la grandissima potenza dei dialoghi, che riescono ad attraversare spesso il mondo dei vivi e quello dei morti. Un'intro di impatto immediato crea da subito i presupposti per un ingresso convinto in una dimensione quasi dello spirito. Esoterico. (DAVIDE TOFFOLI)

Il lettore viene a trovarsi da subito su una linea sottile. Un delitto. Una donna giovane e bellissima, violentata e uccisa, in un contesto di fortissimo degrado umano. Dipinto a tinte così forti che è perfino difficile da digerire. Linguaggio rude, spezzettato, che fluidifica e scorre in romanesco a sottolineare le atmosfere più crude. Linguaggio riuscito. Forse pesante in alcuni momenti. Eppure si raccoglie qua e là, a volte raramente, a volte spesso, la capacità di un rendering efficace, come la singolare descrizione del pelo ruffo de gatti selvatici (“la mano intenta a scivolare sul capo e il dorso di zucchero filato”). (ROBERTO SCARDOVI)

Questo romanzo non è un semplice noir. Denso, claustrofobico nell’atmosfera, narrato con una prosa carica di immagini, pluralità di stili e attraversamento di generi, che avvince e conquista pagina dopo pagina. La storia di una bellezza violata, calpestata, recisa, che contrappone la propria purezza al male, declinato in più persone ma sempre con una sola faccia. Il registro espressivo muta e s’adatta alle caratteristiche di ogni personaggio con attenzione ai particolari, ricorrendo a cromatismi secchi ed efficaci. Un io narrante, con riverberi a volte deliranti, che conduce con sapienza il romanzo, ne traccia una lettura più profonda e complessa, lo guida verso una conclusione non scontata e del tutto congrua. Un romanzo di sorprendente ricchezza linguistica e rigorosità strutturale. (PAOLO CASADIO)

Un libro dal linguaggio decisamente coraggioso, tutto incentrato su un io narrante dalla voce pseudodelirante. Un noir che impatta, non sempre con esiti del tutto brillanti sul contrasto tra la protagonista pura e il dramma inesuribile del genere umano. Ambizioso. (DAVIDE TOFFOLI)

Il libro si apre con un incipit di incredibile impatto e precipita immediatamente il lettore in un'atmosfera sospesa tra il surreale e il parodistico, che però ha il raro pregio di sfumare gradualmente in uno scorrere caotico ed umanissimo degli eventi. Intensi e spiazzanti i dialoghi. Felicissima la conclusione. Intenso. (DAVIDE TOFFOLI)

 Guidato da una scrittura asciutta, a volte secca, il filo lieve e amaro del romanzo si sviluppa nel totale anonimato dei due protagonisti. Non c’è un nome e Toffanin pare che dica “non serve”. Ciascun lettore può metterci il suo. Ci sono un uomo e una donna, assai più giovane dell’uomo; c’è la mediocrità rinunciataria di lui e la vita già segnata di lei. Quest’anonimato, questa definizione dei personaggi li rende duttili, plastici, capaci di grandi accelerate e repentine retromarce. Li guida nelle indecisioni, nelle incertezze, negli insuccessi, nelle giornate sostanzialmente vuote, nel rifugiarsi in un vivere di sogni. Due solitudini che prima si scontrano e poi convergono, in un processo di reciproca possessione, verso il desiderio comune di un sentimento potente qual è la vendetta. La pagina è abilmente giocata in dialoghi serrati a volte impietosi, senza sconti, e in una cura certosina, quasi puntigliosa, dei dettagli caratteriali. (PAOLO CASADIO)

Il protagonista, Maurizio, si trova a svolgere un percorso terapeutico tra il surreale e il grottesco con il dottor Grabski, autentica macchietta di psicoanalista: astratto, oscuro, a tratti incomprensibile, pronto a cambiar scuola di pensiero con la disinvoltura dello scafato voltagabbana. Tutto il contrario di Maurizio, che si è rivolto all’illustre luminare per risolvere un problema fisico assai intimo e vissuto con forte imbarazzo. Brillante, ironico, fluido e accattivante, il romanzo gioca per l’appunto sul contrasto tra l’astrusità inesplicabile di Grabski – esilaranti i dialoghi sul concetto di “forclusione” – e la semplicità espressiva, paziente, di Maurizio. Semplicità che sarà premiata: dallo psicocaos arruffone, squinternato e umorale di Grasbki, riuscirà a trarre un punto di vista nitido di sé e del più autentico “io” e ad affrontare le proprie problematiche (finalmente) con successo. A volte la penna di Rinaldi non è perfettamente controllata ed eccede in qualche “coloritura” macchiettistica, ma è un peccato veniale. (PAOLO CASADIO)

Il libro si contraddistingue per il suo descrittivismo facile e articolato e per una narrazione corposa, supportata spesso da un'ironia felice ed ispirata. Non convincono fino in fondo i dialoghi, anche se a tratti riescono a risultare più ispirati e quindi decisamente più coinvolgenti. Ironico. (DAVIDE TOFFOLI)

All’inizio l’autore dipinge, con dovizia di descrizioni e particolari di vita, quello che si può definire un maschio debole, incapace di inquadrare e gestire le faccende di cuore e di sesso. Presto si capisce che il personaggio è solo uno stratagemma per ironizzare su tutta una serie di comportamenti e mode che potremmo definire new age. La disanima di tutte queste fisime, tipicamente femminili, o comunque nell’immaginario tipiche delle donne, è esaustiva e abbastanza divertente. Il protagonista passa da uno stato confusionale all’altro, ogni volta impegnato in effusioni e tormenti con l’improbabile donna di turno, mai soddisfatto. Marisa, carnosa e dolciastra puttana. Ljuba, maga e truffatrice, finta slava, ma nata nel Tufello. Francesca, la moglie new age. Il linguaggio è originale, fluido, tuttavia risulta eccessivamente ingessato in un’atmosfera goliardica e scanzonata che non convince del tutto, e che, soprattutto, è un po’ poco per sostenere il filo conduttore di un intero romanzo. Un monologo o una serie di racconti a tema sarebbero forse stati più adatti. Da pagina 70 circa entra in scena il Dr Grasby, psicanalista, e la traccia cambia in una lunghissima requisitoria ironica che ripercorre, ironizzando, i molti luoghi comuni della psicanalisi. Da Freud a Jung, attraverso il sabor de cuba, il complesso di Edipo e la trippa alla romana. Carino, ma troppo esile il filo conduttore, per catturare l’attenzione fino alla fine. (ROBERTO SCARDOVI)

Una sorta di metaromanzo che si presenta come profonda riflessione sulla vita e sui suoi molteplici personaggi. Tutto principia dalla fantomatica stanza 125 e, con una scrittura elegantemente sfaccettata e pungente, si evolve e si articola in un racconto sobrio e mai eccessivo. Misurato. (DAVIDE TOFFOLI)

 Infinito gioco degli specchi tra il narrato e il vissuto, La stanza dei racconti è un vasto dipinto corale che avanza a pennellate di memoria, appunti di ricordi, intrecciando la stesura di un romanzo alla narrazione, fondendo sempre più narratore e scrittore. Per entrambi – o per l’unica persona che diventeranno – è necessario fare l’appello delle persone, dei fatti vissuti, giocati sulla eterna, irrisolvibile contraddizione tra quel che si sarebbe voluto essere e quel che si è diventati. In una stanza d’albergo pare svolgersi una rappresentazione teatrale che si arricchisce sempre più di nuovi personaggi, situazioni impreviste, spiegazioni tardive, ritorni consapevoli. La stanza 125 finisce per partecipare all’allestimento dello spettacolo, prendendo vita nel suo arredo: i mobili contrastano, s’intraversano contro l’ospite che non comprende e, anzi, alla ricerca di saldezze esistenziali finisce per affezionarvisi. Originale per struttura narrativa, scrittura espressiva, introspezione personale, musicalità, colloquio con il lettore, oscillazione continua ed equilibrata tra prima e terza persona, questo bellissimo romanzo è un doppio viaggio: quello malinconico nei ricordi e quello, pieno d’errori inevitabili, della vita. (PAOLO CASADIO)

Romanzo di formazione, Lo spazio della carne segue le vicende di un gruppo di amici baresi, dagli anni del liceo all’età adulta. Un racconto cronologico, che si concentra su alcuni momenti fondanti dell’esistenza, all’apparenza comuni, ma che Nicassio riesce a indagare con attenzione e con la giusta distanza prospettica, grazie anche a una scrittura fluida e incisiva. (EMIDIO CLEMENTI)

Un romanzo che sembra un racconto lungo, ma dal tono sarcastico e ironico, sincero, con un buon ritmo, dialoghi credibili, a momenti brillanti e immagini quasi mai scontate. (MADDALENA FINGERLE) 

Narrazione distaccata, con un punto di vista esterno che non aiuta ad entrare in sintonia con la storia. Gli eventi si susseguono in dialoghi serrati che risultano però a volte freddi e un po' troppo fini a se stessi. (DAVIDE TOFFOLI)

Romanzo scorrevole. Narrazione avvincente con personaggi ben descritti, densi di emozioni. La cornice storica è ben integrata nelle vicende della saga familiare. Inoltre fantasia e razionalità si intrecciano tessendo trame diversificate sempre con un guizzo di gitano quasi a dare lampi di chiaroveggenza. (LILIANA CAPONE)

Incipit di forte impatto. Romanzo di contaminazione e di incontri, che vede scivolare, le une accanto alle altre, tradizioni e lingue locali e tradizioni nomadi e gitane. Incontro tra mondo dei vivi e dei morti. Confini dei secoli e tra i secoli. Linguaggio asciutto e storia che si snoda accurata e coinvolgente. Ombre di terra su pagine da sogno. (DAVIDE TOFFOLI)

Romanzo permeato di poesia e profonde riflessioni. Ricercatezza nel linguaggio, nell'astrazione, nella meraviglia della natura che è fuori e dentro di noi in una sinfonia di colori, odori, sapori. (LILIANA CAPONE)

 Lavoro, dedicato a Vincenzo Consolo, originale e ben scritto, con le pause e con i ritmi più adatti al fluire della narrazione. I giorni e le date scandiscono i passaggi più intimi ed emotivi. (DAVIDE TOFFOLI)

Germania, 1941. Si parte da qui e il romanzo ci attira in un luogo e in una data già segnate, poi ci accompagna in avanti fino al 2013. Poi di nuovo indietro, nel 1915. L'elastico temporale del gioco narrativo offre una dimensione originale e spiazzante. Intriga e avvolge. (DAVIDE TOFFOLI)

Barocca nell'enfasi sulla morte, morbosa e nichilista nel dettagliarla, questa narrazione si dilunga in modo decadente sulla sorte di una donna invisibile che rimane appesa al mondo con il suo solo corpo. Lena è una moderna sorcière, una strega ultima da viva ed ora, da morta, prima tra tutti. Senza azioni virtuose, senza che attorno a lei il mondo si redima, affascina la sua comunità e pure se ne compiace. In realtà di nuovo il suo corpo, come in vita, è strumentalizzato e travisato. Niente bellezza in queste parole, niente angeli, nessuna luce in fondo al tunnel. Lena: morta due volte, come riflette lo spirito del padre Vasile. Il cane che decide di seguirla come i cani magri accucciati sulle ossa dei marmi tardo-settecenteschi: anche lui inquieto, scacciato, melanconico. Gli spiriti sono spiriti di disgraziati e il paesaggio una periferia sporca. I vivi sono maschere vuote e pietose che si succedono distorte e sofferenti. Non c'è scampo, Lena si sfalda e cade, Lena si disintegra e perdura il fraintendimento fino alla santificazione. Nella bizzaria dello scenario, pure paradossale, si apre una riflessione su ciò che è e ciò che sembra essere. Nel caso questo scollamento appaia chiaro e sia confermato, solo una è la certezza posta da Marina Novelli: neppure la morte potrà salvarci. (CECILE TOMBOLINI)

 Lingua che piega troppo verso il parlato. Narrazione degli eventi che si schiaccia sul descrittivismo accompagnato da voci del quotidiano. I dialoghi risultano farraginosi e poco fluidi. (DAVIDE TOFFOLI)

Amaro, divertente, disincantato, il racconto di Maurizio Minetto ha una voce propria, che cattura sin dalle prime righe. In una Roma apatica e crudele, che ricorda a tratti quella di Ennio Flaiano e di Dino Risi, il protagonista di Un posto per veri uomini cerca una collocazione, stabile o temporanea non ha molta importanza, e nel frattempo si guarda attorno, dipingendo un affresco umano profondo e ironico al tempo stesso. (EMIDIO CLEMENTI)

Un racconto dagli echi bukowskiani. Spaccati di vita periferica che condensano notevoli spunti di riflessione sulla realtà odierna. Richiami culturali alti e bassi coi quali l’io narrante si destreggia instillando dosi di ironia che rendono l’insieme armonico. Pur nella sua linearità e apparente semplicità, la narrazione offre al lettore un caleidoscopio visuale che, girato in un senso o nell’altro, rende l’idea della molteplicità quotidiana. Solitudini scomposte si muovono a tentoni in un mondo duro, abbandonato a se stesso e agognano un qualsivoglia paradiso oltre un cielo ormai asfissiante. (PLACIDO DI STEFANO)

Pur utilizzando il cliché del tassista (evocato in epoca contemporanea da rappresentazioni di stampo diverso, quali il cinema, la poesia, la stessa narrativa), il racconto Taxi Blu si distingue per la particolarità del suo protagonista: un paranoico ossessivo che veste come un autista d’altri tempi e che – interiormente/in una quotidianità parallela – vive l’esistenza alternativa di economista specializzato in sistemi monetari. Emblematica questa figura che ben rappresenta la sommarietà del mondo attuale che si regge su tesi bislacche argomentate da individui poco formati/informati o comunque non addentro (come si dovrebbe) alle svariate tematiche globali: le tesi complottiste, le banche, lo spread e più in generale il capitalismo attorno a cui tutto gravita. Taxi Blu ha un buon andante che però non decolla, non spinge con l’accelerata finale che un lettore immagina possa avvenire da un momento all’altro (visto anche il protagonista particolare) per far deflagrare le parole in un metaforico incidente dagli esiti catastrofici. (PLACIDO DI STEFANO)

Nel racconto, l’attore principale non è il poco empatico Crucifero, la cui storia scivola via senza scosse verso il finale, ma la scrittura, sostenuta dall’accumularsi delle metafore, dalle scelte lessicali, dall’uso innovativo dei termini. Come Crucifero, lo scrittore “lotta e gioca con le parole”, perché è “ la parola che rende reale il mondo”: se mai la scrittura dovesse perire, sarebbe questo il suo epitaffio. (CARLO NELLO CECCARELLI)

 Crux si genuflette per un istante solo davanti alla metafora, viene scritto in punto del testo, quando Crucifero – il personaggio dall’intelligenza sopraffina che ha scelto di attraversare da parte a parte la vita e non di rimanere immobile ad aspettarla – può considerare concluso il suo vagare errante, senza fissa dimora, e – trovata una piccola alcova – si concentra su un altro tipo di viaggio, quello interiore, che mira all’esplorazione della parola. È a questo punto che, forse, il racconto perde forza, nel momento in cui – dalla narrazione pura – si passa al monologo schizoide di Cruz. Merito del testo, l’abbondante utilizzo di parole anche poco usuali, un linguaggio indubbiamente forbito, un profluvio che, in certi momenti, ci fa godere delle svariate possibilità che la nostra lingua ci concede. Allo stesso modo, le svariate possibilità che un personaggio strabiliante come Crux può fornire a qualsiasi scrittore, vengono – in questo caso – amputate, con un finale che non segue e non regge degnamente l’intero preambolo. (PLACIDO DI STEFANO)

Un racconto surreale. Un linguaggio che a tratti richiama Céline. Una sintassi musicale - poco usuale negli ultimi tempi - che però funziona, porta avanti questa narrazione/monologo che man mano ci porta a scoprire un personaggio negativo che, concettualmente, simboleggia l’ipocrisia, forse il vizio capitale per eccellenza della contemporaneità. Il racconto si dipana in lungo flashback che scade in certi momenti in sotterfugi letterari della cosiddetta letteratura di serie B (un esempio emblematico: la lettera della moglie e l’abuso di cocaina da parte di lei). Potenzialmente un buon brano, che però zoppica in alcuni momenti, non sopportando il peso delle proprie parole e crollando su se stesso come la chiesa nell’epilogo della storia. (PLACIDO DI STEFANO)

Un linguaggio minimalista – i richiami minimalisti, nel senso carveriano del termine si scorgono fin dal titolo – accompagna le vicende quotidiane di tre personaggi che si muovono ripetendo gesti sempre uguali ed essenziali in una provincia estrema, un mondo agreste e rude popolato da uomini e cinghiali. Si sente il sapore della terra e il retrogusto di minestre scaldate. Errori banali – quali l’uso erroneo dei tempi verbali in un paio di occasioni – fanno pensare a una mancata riscrittura e rilettura del testo. Finale poco convincente. (PLACIDO DI STEFANO)

Un racconto dai toni drammatici, scritto però con uno stile asciutto, che preferisce suggerire più che mostrare in maniera esplicita. Una storia di violenza e di desiderio, in un paesaggio fosco, a tratti spettrale. Angela lascia parlare le immagini, i silenzi, l’inevitabilità di una tragedia, che si ripete, come il desiderio, uguale a se stessa. (EMIDIO CLEMENTI)

Un racconto che colpisce subito, interessante per organizzazione, sviluppo e vicenda, grazie alle riflessioni del protagonista, voce narrante, sull’opportunità di rivisitare un luogo che aveva frequentato quand’era bambino. Niente gli sembra essere come dovrebbe e come lo ricordava. Il lago, pieno di fascino quando, ragazzini, si recavano nel bosco. Ma lì si potevano incontrare adulti condiscendenti, che sembravano voler partecipare ai loro giochi e che avevano ben altre mire. Ricorda quell’estate, quando qualcosa finì per sempre. Accade qualcosa e la vicenda si chiude, spaventosa per quanto sottintende: lo stupro come contaminazione non solo per chi lo subisce, ma anche per chi vi assiste. I personaggi costituiscono un sistema complesso: come complessi sono alcuni caratteri, in particolar modo quello del protagonista che dall’adolescenza alla maturità subisce un vero e proprio ribaltamento. Ma anche gli episodi in cui il testo è articolato hanno un loro protagonista e un antagonista: la vittima e il carnefice, il giovane e il vecchio, che da un episodio all’altro si alternano e si scambiano i ruoli. Lo svolgersi della vicenda è accompagnato dall’evolversi dell’ambiente: da “mondo incantato” patrimonio dei bimbi senza paura, che cercano draghi e altre strane creature, a mondo che incantato non è, ma trappola mortale, dove, nel bosco che circonda l’acqua, risiedono i mostri veri, che violentano e uccidono. La storia copre un arco di molti anni, ma ognuno degli episodi principali copre un arco di tempo piuttosto breve. Il tempo scorre sempre più veloce, come l’innocenza violata. Per quanto riguarda la lingua, scorrevoli le parti espositive, buoni i dialoghi: sintetici ed efficaci. Discreta la padronanza del lessico, con tocchi originali nella scelta delle parole. Testo dalle tinte violente. Nel titolo si accenna all’amore, che non si ritrova nel testo. (VALERIA ONGARO)

Il testo presenta una struttura con una parte introduttiva di un certo respiro, uno sviluppo ampio, una conclusione lapidaria. Ma ciò che sembra condurre le fila del racconto è l’alternanza di narrazione e riflessione. Il testo non è un racconto di fatti, ma i fatti scandiscono l’evoluzione interiore del protagonista. Potremmo collocarlo tra i racconti “di formazione”, quei racconti che colgono i “dolori della crescita”. L’incipit ci riporta all’infanzia del protagonista, serena di giorno, ma segnata fin da bambino dalla difficoltà a lasciarsi andare a un sonno ristoratore, tormentato com’è da sensazioni e ricordi angosciosi. La mancanza di sonno influisce negativamente sul suo benessere e la sua salute, come l’incapacità di farsi aiutare sul piano affettivo dai familiari. La parte maggiore del testo resta sospesa tra passato e presente, tra racconto e commento, tra evocazioni angosciose e la paura della morte. Con l’adolescenza questa malattia dell’anima si accentua, rende precaria la sua salute, e con il passare degli anni finisce per indirizzare i suoi studi e condizionare i suoi interessi di adulto. La conclusione è lapidaria: una presa di coscienza della situazione. Per quanto riguarda l’espressione, si avverte la volontà di mantenere uno stile sostenuto. (VALERIA ONGARO)

Buon lessico, chiaro e ben leggibile il testo introspettivo. Particolare e significativa l’analisi sugli stati d’animo. (FEDERICA CAPODURI)

Nella fortezza fobico-ossessiva della protagonista, si apre una breccia ed irrompono le emozioni. Una scrittura volutamente spoglia ed una voce narrante sottotono per descrivere, efficacemente, un mondo ordinato e arido, assediato dalla solitudine. (CARLO NELLO CECCARELLI)

Testo ben strutturato. La storia vi si cala dentro con precisione. L’incipit ci proietta nella mente della protagonista alla ricerca di se stessa e della parola chiave che possa aprire il suo mondo interiore. L’incontro si svolge in modo inatteso e consiste in un dialogo, in cui si confrontano due personaggi, la donna e un giovane prete che cerca di convertirla alla fede attraverso la preghiera. Ma i punti di vista dei due divergono. Curiosa l’ambientazione, risolta tutta all’interno di una stanza, un soggiorno, la cui sola apertura, e fonte di piacere, sembra essere la finestra su di un angolo cieco. (VALERIA ONGARO)

Testo adeguatamente strutturato: un ampio respiro è lasciato all’incipit, ben articolata la parte centrale, proporzionata la conclusione. Lo sviluppo è lineare, fabula e intreccio coincidono, tanto che a una lettura, il testo scorre molto bene, a volte, se possibile, anche troppo velocemente. Tra i personaggi, per come sono costruiti, ne emerge uno solo che meriti questo nome, il protagonista, un uomo irrequieto, o forse un uomo tediato, o perché no? Un uomo vuoto. Su di lui si concentra l’attenzione dell’autore. L’uomo cambia di luogo, paese, nazione, continente; si dedica per periodi più o meno lunghi a lavori vari, anche molto diversi, a volte ai limiti della legalità, per lasciarli quando ne è esaurita la novità. Nulla si sa delle sue amicizie e degli eventuali rapporti con altri individui, niente del suo carattere. Un uomo senza principi, senza affetti, quasi senza ricordi. Eppure, al suo confronto, gli altri personaggi sono ancora più poveri, comprese le sue donne. I nomi dei luoghi in cui vive e lavora sono sparati a raffica; non c’è differenza tra l’uno e l’altro. Neppure i luoghi hanno un’anima. Frasi brevi e chiare. Troppa vita. Molti i fatti che riempiono il tempo di una vita, ma, alla fine, di ciò che succede, di come accade, di cause e conseguenze per l’uomo non sappiamo nulla: nulla dei lavori che fa, né delle persone che incontra e neanche di quelle che frequenta. E, alla fine, la morte lo ricaccia nel nulla. (VALERIA ONGARO)

L’organizzazione del testo non è quella tipica della narrativa, si avvicina piuttosto, fin dalla prima pagina, a quella della scenografia, dove si elencano i personaggi, facendo riferimento ai loro ruoli. Ma è una neonata a polarizzare le riflessioni dei personaggi. Quattro monologhi che ci permettono di ricostruire l’identità della bimba, affetta da “sindrome trisomica”, e di renderci conto dell’aridità e dell’ipocrisia delle persone che dovranno occuparsi di lei. Dai personaggi della madrina, la nonna, il prete, emerge il quadro di un ambiente asfittico e crudele, in cui tutti devono “comparire” e ognuno sembrare migliore di quello che è, mentre disprezza gli altri con cui è in continua competizione. Particolarissimo e interessante l’uso della lingua. L’autrice cerca di rendere il fluire del pensiero, utilizzando un impasto di lingua e calchi dialettali, abolendo buona parte della punteggiatura, talvolta anche gli spazi tra le parole, costruendo dei conglomerati, spesso racchiusi dai trattini, lunghi anche un’intera frase, come quelli che costruiamo quando pensiamo o parliamo in fretta, senza tirare il fiato. “Acquasantiere” ricorda quel “sepolcri imbiancati” di evangelica memoria, che sembra attagliarsi particolarmente bene ai personaggi del racconto. (VALERIA ONGARO)

Il disagio dell’esistere, la mancanza, l’incompiutezza; resi con un ritmo serrato e un lessico di sobria eleganza. La poesia di Sonia Lambertini punta dritto al cuore, senza sentimentalismi né abbellimenti. (EMIDIO CLEMENTI)

Poesia austera ed essenziale, che usa metafore incisive, bilanciata da un apprezzabile controllo del linguaggio e del ritmo, per parlare di un sentimento originale del mondo. (GIUSEPPE FEOLA)

Sintetica, pulita, incisiva con immagini prese da un quotidiano femminile che rendono bene l'idea di spazi ristretti in cui l'anima stenta a respirare. (ELVIRA MANCO)

I versi procedono a scatti (senza corpo, appunto), affidandosi a felicissime suggestioni (c'è un buco a forma di peccato) e a dolenti evanescenze. Parole mirate come fendenti a cercare il persistere della vita nel mondo. Ectoplasmica. (DAVIDE TOFFOLI)

 Una lirica avvolta da un’aura sacrale, dove la sofferenza è resa in modo estremamente efficace, direi quasi plastico; la poetessa raffigura parti di un corpo che, si legge nel titolo, “qui” non c’è (occhi, lingua, petto, piedi, testa), una sorta di sineddoche macabra quanto paradossale, ritagli, rammendi, esili, vuoti, assenze, tremori. Tra negazioni e litoti l’affermazione, cruciale per il componimento, è quella relativa al buco/peccato, una forza di fronte alla quale l’ultima reazione non può che essere l’oblio. (LUIGI DI CARLUCCIO)

Il testo sembra descrivere un’azione senza tempo. L’ambientazione geografica come quella temporale è sfumata. L’unica cosa che sembra ben definita è l’azione descritta: il desiderio di conoscenza, il voler decifrare il buio. Il quadrante (di un orologio?) ci appare nei primi versi completamente vuoto, le donne quasi come se lo maledissero, lo incitano e lo provocano a forza di “veleno”, come una preghiera oscena, come una bestemmia, come la pretesa di un estremo sacrificio. Ma non c’è risoluzione, la conoscenza non si svela, il mistero resta indecifrabile e il discorso inizia a vivere di vita propria dentro di loro, le corroderà dall’interno o le rinvigorirà? (FERNANDO DELLA POSTA)

 Composizione nitida e composta. Dizione molto raffinata. L'abile uso della sintassi si manifesta nella compattezza della costruzione della poesia. (GIUSEPPE FEOLA)

 La lirica parla di un tempo al buio sempre straniante. Pochi versi per pennellare un quadrante nero che blocca le immagini del lettore. (LILIANA CAPONE)

 Versi martellanti e sonori nelle loro battute ritmate a riprodurre quasi l'incalzare inesorabile del tempo, quasi fagocitante come le bocche che accolgono l'atomo a disfarsi. Criptica e straniante. (DAVIDE TOFFOLI)

Immaginazione viva e originale. Felice disinvoltura del ritmo e della dizione, che viene un po' appannata dall'esplicito riferimento (forse non realmente necessario) a un'opera d'arte di Paul Klee che trasforma forzosamente questa poesia in una ékphrasis. (GIUSEPPE FEOLA)

 Lirica profonda che attinge alla vita embrionale: nascita come abbraccio uterino e rinascita come taglio del buio. (LILIANA CAPONE)

 Una descrizione del concetto di Rinascita a partire dal quadro di Paul Klee “Hohlen Blueten” (Fiori in una caverna) del 1926. Gli ingredienti ci sono tutti e sono plurali e molteplici, dall’uscita del filosofo dalla caverna Platonica, alla gemmazione e alla trasformazione del bruco. All’interno della “caverna” il sogno si mescola all’incubo, l’impressione che fa capolino tra righe e parole, seppur enigmatiche, è quella di una prigione che se da un lato abbraccia, dall’altro taglia. Ma nemmeno l’uscire allo scoperto, evento necessario all’esistere di ognuno di noi, è in definitiva una liberazione: gli steli sono spezzati, il cielo ci abbacina e ci affama. L’evento analizzato, la rinascita, sembra prendere vita nell’atto poetico, nel passaggio dall’oggetto dell’ispirazione al testo: un quadro rinasce in un altro quadro. Un’epopea condensata in pochissimi versi, paradossalmente dai tratti più statici che dinamici, dove ogni elemento viene trovato precisamente al suo posto. (FERNANDO DELLA POSTA)

 Versi di un lirismo intenso e descrittivo, corredati da suggestivi accostamenti di nomi (corolle-luce / embrioni-stelle) fino alla chiusa catartica ("Il buio è pace amniotica / abbraccio e taglio"). Umanissima. (DAVIDE TOFFOLI)

Indubbia competenza dell'autrice nel padroneggiare il ritmo e la sintassi; si ha l'impressione che l'autrice non sia pienamente convinta della rilevanza del proprio soggetto. (GIUSEPPE FEOLA)

 Incontrarsi e conoscersi, condividere esperienze ed emozioni, a volte perdonare mancanze e districare malintesi. Questo è il vivere e l’interagire di ognuno di noi all’interno della comunità dei nostri simili. Sicuramente un qualcosa di positivo e vitale, ma lo sguardo del poeta ha il dovere, spesso, di andare oltre e scoprire risvolti che la normalità non considera, o considera solo quando non può esimersi dall’affrontarli. E proprio grazie a questo sguardo “altro”, l'autrice arriva a toccare verità che restano celate o “rimosse”, come la possibilità della felicità nella solitudine, la quale però, nel mondo di superficie, resta un’esclusiva prerogativa della divinità (in questo caso il “satiro”), solitudine che, non a caso, nel mondo, solo pochi uomini riescono a sopportare. (FERNANDO DELLA POSTA)

 Testo che evoca e trasmette il senso di ferita sopportata e "la cura del satiro" nel suo perseverare ostinato. La perdita patita si fa necessaria a trovare la strada più naturale e più consona. Calda e vitale. (DAVIDE TOFFOLI)

 È una sorta di sonetto “tronco”, volutamente spezzato, al quale, dopo due quartine con prevalenza di endecasillabi e settenari ed una misteriosa terzina, manca la strofa finale, quasi a significare anche formalmente lo smarrimento, la vertigine di un logos dolorante, cascante, decadente. L’incedere stentoreo, ansimante, gracchiante, magistralmente reso soprattutto attraverso l’uso di anàstrofe ed anàfora nelle due quartine si risolve , quasi si imbatte, nell’immagine del satiro, che sceglie e batte il tempo, che (beffardo?) disvela la sua cura. (LUIGI DI CARLUCCIO)

Poesia piena di intuizioni, ma un po' penalizzata dall'eccessiva lunghezza. (GIUSEPPE FEOLA)

In genere mi piacciono le poesie lunghe, danno modo al lettore di entrare nel mondo del poeta, solo che qui, una volta entrati, si resta intrappolati in una specie di gorgo. Ci sono idee originali che mi sono piaciute, ma poi l'autore si lascia prendere la mano da un eccesso di espressioni forti che, reiterate in forme diverse ma più o meno simili, finiscono per stancare. (ELVIRA MANCO)

 Una scelta felice quella del poemetto, denso di rimandi, di salite, di discese, di baratri, di scalate, di cadute e di cime, per descrivere la condizione materica e spirituale di ogni essere umano, di ognuno di noi, fatta di osceno, di perizie mirabili, di crudeltà, di bontà, di sensibilità e di capacità estreme di meraviglia e di empatia. Ci si chiede all’inizio, come poggiando l’orecchio sul coperchietto di uno scrigno, se il cuore ci sia ancora; la scoperta è che effettivamente c’è, ma arriva compiutamente solo alla fine, quando anche l’essere più sventurato si riconosce nell’altro. Un abile composizione che si districa tra i segni della letteratura piùoscura, Cohen, Baudelaire, Rimbaud, Poe e i testi dalla vista più sensibile e intimista di Lucio Dalla. (FERNANDO DELLA POSTA)

 Versi graffianti e stile ricercatamente quasi sgrammaticato che intrecciano atmosfere evocative e coraggiosi inseguimenti lessicali verso una sorta di orgasmo devastato e devastante che diventa meta, fine, naufragio. Apocalittica. (DAVIDE TOFFOLI)